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jeu. 09 mai

1967 Ferrari 330 GTS No reserve Titre de circulation suédois Châssis n° 10781 Moteur n° 10781 • Certifiée par Ferrari Classiche • Restauration complète de haute qualité par Cremonini, Toni Auto, RBBC, Maieli • Un des 99 exemplaires construits seulement • Cinq propriétaires connus depuis l’origine • Ex Greg Norman, légende australienne du golf • Sans réserve Par rapport à la 275 GTS à laquelle elle succède en 1966, la Ferrari 330 GTS (tout comme la 330 GTC, version coupé) affiche une calandre plus effilée rappelant la "Superamerica" et une mécanique plus aboutie. En plus d'un moteur de 4 L plus puissant (il développe 300 ch à 7 000 tr/mn), elle reçoit une transmission modifiée : la boîte-pont située à l'arrière est dorénavant reliée au moteur par le biais d'un tube de poussée, ce qui permet de réduire les vibrations et d'éviter les fréquents contrôles d'alignement de l'arbre de transmission. Elle garde bien entendu sa personnalité de voiture de grand tourisme sobre, élégante, rapide et confortable. Il s'agit sans doute d'un des cabriolets Ferrari les plus discrets, dont la ligne affiche une pureté rarement égalée. Une des caractéristiques de la voiture que nous présentons, un des joyaux de la Collection W, est qu'elle n'a connu qu'un nombre limité de propriétaires. Une autre originalité est d'avoir été vendue neuve aux États-Unis par le biais de Modern Classic Motors à Reno, au Nevada, la concession de Bill Harrah connu pour sa spectaculaire collection de voitures. Détail amusant, Bill Harrah est aussi à l'origine d'une version spéciale de la 330 GTS dotée d'un toit "targa" avec arceau, toit amovible et lunette arrière très effilée. Sorti d'usine en 1967, le présent Spider 330 GTS est le 72ème des 99 exemplaires produits. De couleur rouge avec intérieur en cuir noir, cette voiture est livrée neuve à son premier propriétaire, George Zenzefilis, de Camarillo (Californie), qui la garde cinq ans avant de la céder en 1972 à Robert Sengleman, de Westlake Village, également en Californie. Particulièrement attaché à sa voiture, celui-ci l'utilise pendant 18 ans, puis il la confie à Barrett-Jackson pour sa vente aux enchères de janvier 1990, en Arizona. Entre 1990 et 1995, elle est enregistrée à New York et appartient à Greg Norman, légende australienne du golf qui possède à l'époque une collection de Ferrari. A partir de 1995, elle est entre les mains d'un amateur californien dont l'identité reste confidentielle, et c'est grâce à l’aide de l’un de ses amis proches que notre collectionneur en fait l'acquisition en 2014. Il s'agit donc du cinquième propriétaire, nombre particulièrement limité pour une aussi longue période. La voiture avait alors 75 364 miles qui était probablement son kilométrage d’origine. Après son achat, cette voiture est envoyée en Italie et plus précisément à Maranello chez Toni Auto, entreprise ouverte en 1975 par Franco Toni, ancien mécanicien du service course de Ferrari ayant également travaillé au Garage Francorchamps, représentant belge de la marque. Silvano, fils de Franco, a rejoint son père et Toni Auto s'est bâti une solide réputation dans le domaine de la restauration de Ferrari. La 330 GTS leur est donc confiée pour une restauration complète. En bon état de préservation, la carrosserie est mise à nu par l’atelier RBBC, avant d'être envoyée à côté de Modène à la Carrozzeria Cremonini, autre atelier fort d'une solide expérience de restauration. La couleur choisie est "Blu Notte Metallizzato" (code M18943), un bleu nuit qui s'accorde parfaitement avec le magnifique dessin de la carrosserie et qui sera aussi la couleur choisie par Staffan Wittmark pour sa 330 GTC. Le châssis et les parties internes de carrosserie reçoivent comme il se doit une peinture noire satinée et tous les enjoliveurs chromés font l'objet d'un traitement particulier. Parallèlement aux opérations sur la carrosserie, Toni Auto se charge de la remise en état mécanique concernant moteur, transmission, suspensions, freins, direction et système électrique. Une fois tous les composants remontés, la voiture est envoyée chez Interni Auto Maieli, à Canedole di Roverbella, pour toute la partie sellerie. L'intérieur est entièrement refait avec du cuir Connolly Vaumol beige (code VM 3218), associé à une moquette bleu foncé et une capote neuve, en tissu noir. Un jeu de jantes Borrani RW 4039 à rayons chromés apporte la touche finale à la présentation exceptionnelle de cette 330 GTS, soigneusement vérifiée et mise au point par Toni Auto. Elle est accompagnée de son manuel d’utilisation dans sa pochette, et, comme toutes les voitures de la collection W, d'un dossier historique important, de sa certification Ferrari Classiche et d'un livre édité spécialement pour en présenter l'histoire et les photos des différentes étapes de la restauration. Spécia

Estim. 1 800 000 - 2 200 000 EUR

ven. 10 mai

Bauhaus - Clauss, Erich. Le grand et le petit Klaus. Jeu de construction d'images. Avec de nombreux petits morceaux de feutre colorés, 1 cahier de modèles, 1 cadre d'image avec une échelle, 1 dispositif de mise en place et 3 feuilles avec des croquis au crayon. Dans la boîte originale imprimée en couleur. Georgenthal, Schmidt & Co., vers 1930. 6 feuilles (cahier de modèles). Boîte : 28,5 x 21,5 x 5 cm (2 plis déchirés, boîte poussiéreuse, brunie et tachée, un peu frottée et abîmée). Très rare jeu de pose, influencé par le constructivisme et le Bauhaus. Avec les pièces de feutre découpées dans différentes formes géométriques et une pincette métallique (en rouge, vert, brun et blanc), il était possible de poser des ornements et des images colorés comme le petit chaperon rouge, le grand et le petit Klaus, le clown jouant à la balle, la salle de jeux pour enfants, etc. Les instructions de construction ont été imprimées à l'intérieur du couvercle. Le concepteur Clauss, dont on ne sait rien d'autre sur la vie, a créé un autre jeu très original, le "Raummühle" (voir notre vente aux enchères 10). Dans les premières années qui suivirent la Seconde Guerre mondiale, Clauss était encore présent en tant qu'illustrateur de livres, mais son nom ne figurait auparavant ni sur la liste des étudiants du Bauhaus ni sur celle du Burg Giebichenstein, et il n'est pas non plus mentionné comme graphiste publicitaire dans la littérature correspondante (par exemple chez Wienkötter). Les archives de la société Schmidt (aujourd'hui Steiner Spielwarenfabrik) ont brûlé en 1955, si bien qu'il ne reste plus aucun document ancien. En fait, l'entreprise était surtout connue pour ses poupées, et les deux jeux mentionnés faisaient partie des seuls jouets de l'entreprise dont l'existence était attestée jusqu'à présent, au-delà de la production de poupées. - Avec le livret de modèles I, qui mentionne Clauss comme concepteur et au dos duquel d'autres boîtes d'extension sont mentionnées comme étant en préparation. Mais ces extensions n'ont probablement pas vu le jour. Avec un dispositif de mise en place composé de quatre pièces découpées en carton à assembler. Les 3 feuilles avec des esquisses au crayon, entre autres la gare centrale de Stuttgart. - L'intégralité des pièces en feutre n'a pas été vérifiée, les pièces en feutre blanc sont généralement un peu brunies, mais sinon le feutre est frais, quelques rousseurs sur la couverture intérieure. VAT : #

Estim. 600 - 900 EUR

lun. 13 mai

TADAO ANDO (Osaka, 1941). Sans titre. Ensemble de trois dessins (marqueurs sur papier, techniques mixtes sur papier et crayons sur papier). Signé. Dimensions : 19 x 13 cm ; 25 x 19 cm et 33 x 22 cm. Tadao Ando est un architecte autodidacte très influencé par l'œuvre de Le Corbusier, formée principalement lors de ses voyages à travers les États-Unis, l'Europe et l'Afrique entre 1962 et 1969. Au cours de ses voyages, il a visité des bâtiments de Mies van der Rohe, Le Corbusier, Frank Lloyd Wright et Louis Kahn, ce qui a clairement influencé les formes et les matériaux de ses bâtiments. En 1968, il retourne dans son pays et fonde Tadao Ando Architects & Associates à Osaka. En tant qu'architecte, il a notamment remporté le prix d'architecture Pritzker en 1995, décerné par la fondation Hyatt. Ses premières œuvres témoignent d'un style postmoderne naissant, bien que clairement adapté aux coutumes japonaises. En 1976, il réalise sa première œuvre, la maison Azuma. Tadao Ando divise la maison en deux volumes, l'un privé et l'autre commun, entre lesquels une cour est destinée au "jeu du vent et de la lumière". La présence d'éléments naturels dans ses œuvres l'accompagnera tout au long de sa carrière. Dans les années 1980, Tadao Ando s'impose sur la scène internationale comme le principal représentant de la nouvelle architecture japonaise. De ces années, on retiendra le projet Rokko Housing (1983-1993) et sa chapelle sur le mont Rokko (1986). Dans ces bâtiments, l'influence de Le Corbusier chez Tadao Ando est évidente dans l'utilisation du béton comme matériau principal, bien que le traitement individualisé de la lumière donne à ses œuvres un cachet personnel. En 1992, il a conçu le pavillon japonais pour l'Expo'92 à Séville. Une grande structure éphémère en bois. Le Musée de la forêt des tombes (1992) est un espace plein de symbolisme dans lequel Tadao Ando abandonne les lignes droites, mais pas la froideur du béton. Parmi les œuvres marquantes d'Ando au tournant du siècle, citons l'Awaji Yumebutai à Hyogo (1997) et le Modern Art Museum à Fort Worth, Texas (2000). Parmi ses œuvres les plus récentes figurent des projets ambitieux tels que le Poly Theater de Shanghai, un bâtiment composé d'une boîte en béton armé, enveloppée d'une peau en treillis vitrée et perforée par des tunnels en acier doublés de panneaux en aluminium, dont la finition rappelle celle du bois. Un bâtiment qui conserve l'essence des œuvres de Tadao Ando, mais qui est développé avec des techniques plus modernes.

Estim. 1 800 - 2 000 EUR

lun. 13 mai

TADAO ANDO (Osaka, 1941). Sans titre. Ensemble de six dessins (marqueurs, crayons et crayons de couleur). Signé. Dimensions : 30 x 23 cm ; 19 x 13 cm ; 17 x 12,5 cm ; 17 x 12 cm ; 19 x 12,5 cm et 23 x 15 cm. Tadao Ando est un architecte autodidacte fortement influencé par l'œuvre de Le Corbusier, formée principalement lors de ses voyages à travers les États-Unis, l'Europe et l'Afrique entre 1962 et 1969. Au cours de ses voyages, il a visité des bâtiments de Mies van der Rohe, Le Corbusier, Frank Lloyd Wright et Louis Kahn, ce qui a clairement influencé les formes et les matériaux de ses bâtiments. En 1968, il retourne dans son pays et fonde Tadao Ando Architects & Associates à Osaka. En tant qu'architecte, il a notamment remporté le prix d'architecture Pritzker en 1995, décerné par la fondation Hyatt. Ses premières œuvres témoignent d'un style postmoderne naissant, bien que clairement adapté aux coutumes japonaises. En 1976, il réalise sa première œuvre, la maison Azuma. Tadao Ando divise la maison en deux volumes, l'un privé et l'autre commun, entre lesquels une cour est destinée au "jeu du vent et de la lumière". La présence d'éléments naturels dans ses œuvres l'accompagnera tout au long de sa carrière. Dans les années 1980, Tadao Ando s'impose sur la scène internationale comme le principal représentant de la nouvelle architecture japonaise. De ces années, on retiendra le projet Rokko Housing (1983-1993) et sa chapelle sur le mont Rokko (1986). Dans ces bâtiments, l'influence de Le Corbusier chez Tadao Ando est évidente dans l'utilisation du béton comme matériau principal, bien que le traitement individualisé de la lumière donne à ses œuvres un cachet personnel. En 1992, il a conçu le pavillon japonais pour l'Expo'92 à Séville. Une grande structure éphémère en bois. Le Musée de la forêt des tombes (1992) est un espace plein de symbolisme dans lequel Tadao Ando abandonne les lignes droites, mais pas la froideur du béton. Parmi les œuvres marquantes d'Ando au tournant du siècle, citons l'Awaji Yumebutai à Hyogo (1997) et le Modern Art Museum à Fort Worth, Texas (2000). Parmi ses œuvres les plus récentes figurent des projets ambitieux tels que le Poly Theater de Shanghai, un bâtiment composé d'une boîte en béton armé, enveloppée d'une peau en treillis vitrée et perforée par des tunnels en acier doublés de panneaux d'aluminium, dont la finition rappelle celle du bois. Un bâtiment qui conserve l'essence des œuvres de Tadao Ando, mais qui est développé avec des techniques plus modernes.

Estim. 1 800 - 2 000 EUR

lun. 13 mai

JAVIER CALLEJA (Málaga, 1971). "Pourquoi pas ?", 2023. Livre d'art. Publié par Nanzuka. Illustrations en couleur. En anglais. 514 pg. En parfait état. Dimensions : 29 x 23 x 5 cm. Publié pour commémorer l'ouverture de l'exposition "Mr. Günter, The Cat Show" dans sa ville natale, Malaga, 2023. Javier Calleja est un artiste de Malaga, formé à l'université de Grenade, où il a obtenu un diplôme en beaux-arts en 2000. Dès le début de sa carrière artistique, ses œuvres ont attiré l'attention des critiques et du public, devenant l'un des artistes les plus recherchés au niveau national et international. Il a organisé sa première exposition en 2002, en participant à l'exposition collective Arte más joven, "Instituto Andaluz de la Juventud (IAJ)" Almeria, Jaen et Seville, Espagne IAJ Granada, et seulement un an plus tard (2003), il a tenu sa première exposition solo intitulée "Recuperar la mirada", Carmen de la Victoria, Université de Granada. Ces expositions ont été suivies de nombreuses autres, tant au niveau national qu'international ; Play room" au CAC Malaga, en 2008, Fast food, à la Galerie Zink, Allemagne (2015), No cartoons tonight, Art on paper Fair (projet solo), à la Castor Gallery, New York (2016), Do not touch, à la Nanzuka Gallery, Tokyo (2018), F*ck You, Nanzuka EchoOne, Nanzuka Gallery, Bangkok (2018), Javier Calleja, Solo exhibition, at Aisho/Nanzuka, Hong Kong (2019) et Those Little things, Artist residency, Dio Horia, in Mykonos. En outre, Calleja a participé à plusieurs des foires les plus importantes d'Espagne, telles que ARCO (2020), Estampa (2019) et Urbanity Art (2020). Ses œuvres ont été acquises par de nombreux collectionneurs privés, ainsi que par des institutions pertinentes telles que Banco Sabadell, la Diputación de Málaga, DKV Collection, Marset Collection, la CAB de Burgos, le CAC de Málaga, Unicaja, la Junta de Andalucía et l'Université de Grenade. Il convient de noter qu'à l'occasion du COVID, Calleja a mis en vente plusieurs figurines connues avec Art toy, afin de reverser le produit de la vente aux personnes touchées par la pandémie. L'œuvre de Calleja se caractérise par un langage naïf, qui reçoit une certaine influence du caractère surréaliste et pop. On peut y apprécier l'intérêt pour la présence enfantine, accompagnée dans de nombreuses occasions de texte. Cette caractéristique invite le spectateur à réfléchir aux images qu'elle propose, en approfondissant une signification conceptuelle qui va au-delà de l'évidence. Au début, ses travaux étaient axés sur l'installation et la peinture murale, bien qu'il travaille également dans d'autres formats plus petits tels que la sculpture et le dessin.

Estim. 1 200 - 1 500 EUR

lun. 13 mai

JAVIER CALLEJA (Málaga, 1971). "Puzzle", 2023. Bois. Présente un dessin au dos à l'encre dorée. Signé à l'encre au dos. Dimensions : 14,5 x 14,5 x 4 cm. Puzzle de 9 pièces permettant de créer six œuvres différentes. Il s'agit d'une édition limitée créée exclusivement pour son exposition à Malaga en 2023. Javier Calleja est un artiste de Malaga, formé à l'université de Grenade, où il a obtenu un diplôme en beaux-arts en 2000. Depuis le début de sa carrière artistique, ses œuvres ont attiré l'attention des critiques et du public, devenant ainsi l'un des artistes les plus recherchés au niveau national et international. Il a organisé sa première exposition en 2002, en participant à l'exposition collective Arte más joven, "Instituto Andaluz de la Juventud (IAJ)" Almeria, Jaen et Séville, Espagne IAJ Grenade, et seulement un an plus tard (2003), il a tenu sa première exposition solo intitulée "Recuperar la mirada", Carmen de la Victoria, Université de Grenade. Ces expositions ont été suivies de nombreuses autres, tant au niveau national qu'international ; Play room" au CAC Malaga, en 2008, Fast food, à la Galerie Zink, Allemagne (2015), No cartoons tonight, Art on paper Fair (projet solo), à la Castor Gallery, New York (2016), Do not touch, à la Nanzuka Gallery, Tokyo (2018), F*ck You, Nanzuka EchoOne, Nanzuka Gallery, Bangkok (2018), Javier Calleja, Solo exhibition, at Aisho/Nanzuka, Hong Kong (2019) et Those Little things, Artist residency, Dio Horia, in Mykonos. En outre, Calleja a participé à plusieurs des foires les plus importantes d'Espagne, telles que ARCO (2020), Estampa (2019) et Urbanity Art (2020). Ses œuvres ont été acquises par de nombreux collectionneurs privés, ainsi que par des institutions pertinentes telles que Banco Sabadell, la Diputación de Málaga, DKV Collection, Marset Collection, la CAB de Burgos, le CAC de Málaga, Unicaja, la Junta de Andalucía et l'Université de Grenade. Il convient de noter qu'à l'occasion du COVID, Calleja a mis en vente plusieurs figurines connues avec Art toy, afin de reverser le produit de la vente aux personnes touchées par la pandémie. L'œuvre de Calleja se caractérise par un langage naïf, influencé par un certain caractère surréaliste et pop. On peut y apprécier l'intérêt pour la présence enfantine, accompagnée dans de nombreuses occasions de texte. Cette caractéristique invite le spectateur à réfléchir aux images qu'elle propose, en approfondissant une signification conceptuelle qui va au-delà de l'évidence. Au début, ses travaux étaient axés sur l'installation et la peinture murale, bien qu'il travaille également dans d'autres formats plus petits tels que la sculpture et le dessin.

Estim. 800 - 900 EUR

lun. 13 mai

MARK RYDEN (Medford, Oregon, 1963) pour MATTEL. "Baby Bosh (Buff, blanc), 2022. Vinyle. Exemplaire 166/350. Conserve la boîte personnalisée de l'auteur qui porte l'étiquette d'authenticité au dos avec sa numérotation. Numéroté et authentifié sur l'emballage personnalisé. Signé et daté sur le pied gauche. Dimensions : 15 x 7 x 5 cm ; 7 x 19 x 10 cm (boîte). Baby Bos a été créé par Mark Ryden en 2020 pour son exposition Animals à la galerie Emmanuel Perrotin de Shanghai. Dans cette exposition, les figurines étaient en porcelaine et mesuraient 45 cm. Un an plus tard, en collaboration avec Artoyz et Golem, Mark Ryden a recréé ces figurines Bos, cette fois en vinyle et de plus petite taille. Mark Ryden a obtenu une licence en beaux-arts en 1987 à l'Art Center College of Design de Pasadena. Ses peintures ont été exposées dans des musées et des galeries du monde entier, notamment lors de la rétrospective "Chamber of Wonders" au Centre d'art contemporain de Malaga, ainsi que lors de la rétrospective "Wondertoonel" au Frye Art Museum de Seattle et au California Museum of Art de Pasadena. Ryden a récemment été chargé de créer le décor et les costumes d'une nouvelle production de Whipped Cream, présentée par l'American Ballet Theatre sur une chorégraphie d'Alexei Ratmansky. Whipped Cream est basé sur Schlagobers, un ballet en deux actes dont le livret et la partition sont de Richard Strauss et qui a été créé à l'Opéra d'État de Vienne en 1924.

Estim. 800 - 1 000 EUR

lun. 13 mai

MARK RYDEN (Medford, Oregon, 1963) pour MATTEL. "Baby Bosh (Bistre, noir), 2022. Vinyle. Exemplaire 282/300. Conservé dans sa boîte d'auteur personnalisée qui porte l'étiquette d'authenticité au dos avec sa numérotation. Numéroté et authentifié sur l'emballage personnalisé. Signé et daté sur le pied gauche. Dimensions : 15 x 7 x 5 cm ; 7 x 19 x 10 cm (boîte). Baby Bos a été créé par Mark Ryden en 2020 pour son exposition Animals à la galerie Emmanuel Perrotin de Shanghai. Dans cette exposition, les figurines étaient en porcelaine et mesuraient 45 cm. Un an plus tard, en collaboration avec Artoyz et Golem, Mark Ryden a recréé ces figurines Bos, cette fois en vinyle et de plus petite taille. Mark Ryden a obtenu une licence en beaux-arts en 1987 à l'Art Center College of Design de Pasadena. Ses peintures ont été exposées dans des musées et des galeries du monde entier, notamment lors de la rétrospective "Chamber of Wonders" au Centre d'art contemporain de Malaga, ainsi que lors de la rétrospective "Wondertoonel" au Frye Art Museum de Seattle et au California Museum of Art de Pasadena. Ryden a récemment été chargé de créer le décor et les costumes d'une nouvelle production de Whipped Cream, présentée par l'American Ballet Theatre sur une chorégraphie d'Alexei Ratmansky. Whipped Cream est basé sur Schlagobers, un ballet en deux actes dont le livret et la partition sont de Richard Strauss et qui a été créé à l'Opéra d'État de Vienne en 1924.

Estim. 800 - 1 000 EUR

lun. 13 mai

KAWS (New Jersey, 1974). "Poupée Kokeshi, ensemble de désodorisants" (marron, gris et noir), 2019. Vinyle. Tirages 1/1000. Publié par Ding Dong Taknhaibin. Comprend 9 recharges de parfum et 3 supports de pince. Conserve la boîte de l'auteur avec une petite bosse au dos. Dimensions : 7 x 7,5 x 3,5 cm (x3) : 7 x 7,5 x 3,5 cm (x3) ; 6 x 19 x 19 x 19 cm (boîte). Ensemble de trois figurines en vinyle qui sont également des désodorisants. Brian Donnelly, connu professionnellement sous le nom de Kaws (stylisé en KAWS), est un artiste et designer américain. Son travail comprend l'utilisation répétée d'une série de personnages et de motifs figuratifs, dont certains remontent au début de sa carrière dans les années 1990, d'abord peints en 2D puis réalisés en 3D. Les sculptures de Kaws mesurent de quelques centimètres à dix mètres de haut et sont réalisées dans divers matériaux, dont la fibre de verre, l'aluminium, le bois, le bronze et un ponton gonflable en acier. Ses œuvres sont exposées dans des galeries et des musées, font partie des collections permanentes d'institutions publiques et sont avidement collectionnées par des particuliers, dont le producteur de musique Swizz Beatz et le rappeur Pharrell Williams. Plusieurs livres illustrant son travail ont été publiés. Il vit et travaille à Brooklyn, à New York, où il crée des sculptures, des peintures acryliques sur toile et des sérigraphies, tout en collaborant à des projets commerciaux, principalement des jouets en édition limitée, mais aussi des vêtements, des planches à roulettes et d'autres produits. L'œuvre de Kaws se caractérise par l'importance accordée à la couleur et à la ligne, par des graphismes distinctifs, tels que l'utilisation répétée du "x" dans les mains et les yeux, et par la réappropriation d'icônes de la culture pop telles que Mickey Mouse, Bibendum, les Schtroumpfs, Snoopy, et Snoopy. Snoopy, et Bob l'éponge. Ses personnages sont généralement représentés dans une pose timide ou impuissante, souvent avec les mains sur les yeux.

Estim. 500 - 600 EUR

mar. 14 mai

Rosalba Carriera (Venezia 1675 - 1757) attribuito - Rosalba Carriera (Venise 1675 - 1757) attribuée Portrait d'une jeune fille Pastel sur papier toilé 36 x 30,5 cm L'œuvre reproduit, avec un admirable raffinement technique et expressif, le célèbre Portrait de jeune fille du Louvre, à Paris. Rosalba Carriera compte parmi les plus grands artistes de l'Europe du XVIIIe siècle. Elle est considérée comme la plus grande artiste féminine de tous les temps. Son style est le plus attentif et le plus pénétrant de la société vénitienne et européenne du XVIIIe siècle, fondamental pour le développement du portrait français. Avec ses portraits, elle a sondé les idéaux inégalés de grâce et d'élégance d'une époque : le chant du cygne de la noblesse européenne qui, après quelques décennies, allait perdre son statut au sein de la société renouvelée par les idées des Lumières. Éduquées pour cultiver les arts, comme il convenait aux jeunes filles de l'époque, Rosalba et ses deux sœurs ont étudié la musique, la littérature, la peinture, la broderie et les langues étrangères. Très vite, Rosalba se consacre à l'étude de la peinture, en particulier des miniatures et des portraits, approfondissant et redécouvrant la technique du pastel, oubliée à l'époque. Devenue célèbre pour la délicatesse de ses miniatures, elle commence à représenter les personnalités les plus en vue de l'époque en utilisant la technique du pastel, dans laquelle elle excelle en Europe. Grâce aux nuances délicates et aux marques de couleurs pures que permet cette technique, les clients trouvaient dans ses œuvres à la fois une extrême délicatesse dans le velouté des carnations et la précision réaliste des détails. Son succès, combiné à sa connaissance de plusieurs langues, lui a ouvert la voie de nombreuses cours d'Europe, où elle a accru sa renommée en peignant des miniatures et des portraits pour des familles royales et la noblesse de cour. Elle meurt à Venise à l'âge de 80 ans, le 15 avril 1757, après une décennie douloureuse due à la cécité. Nous rappelons son habitude de faire une ou plusieurs copies de toutes les peintures qu'il a exécutées depuis 1720. Rosalba Carriera (Venise 1675 - 1757) attribuée à Portrait d'une jeune fille Pastel sur papier toilé 36 x 30,5 cm L'œuvre reproduit, avec un admirable raffinement technique et expressif, le célèbre Portrait d'une jeune fille du Louvre, à Paris.

Estim. 5 000 - 7 000 EUR

mar. 14 mai

Rosalba Carriera (Venezia 1675 - 1757) scuola di - Rosalba Carriera (Venise 1675 - 1757) école de Fille lisant Pastel sur papier 61 x 50 cm Rosalba Carriera compte parmi les plus grands artistes du XVIIIe siècle européen. Elle est considérée comme la plus grande artiste féminine de tous les temps. Son style est le plus attentif et le plus pénétrant de la société vénitienne et européenne du XVIIIe siècle, fondamental pour le développement du portrait français. Avec ses portraits, elle a sondé les idéaux inégalés de grâce et d'élégance d'une époque : le chant du cygne de la noblesse européenne qui, après quelques décennies, allait perdre son statut au sein de la société renouvelée par les idées des Lumières. Éduquées pour cultiver les arts, comme il sied aux jeunes filles de l'époque, Rosalba et ses deux sœurs étudient la musique, la littérature, la peinture, la broderie et les langues étrangères. Très vite, Rosalba se consacre à l'étude de la peinture, en particulier des miniatures et des portraits, approfondissant et redécouvrant la technique du pastel, oubliée à l'époque. Devenue célèbre pour la délicatesse de ses miniatures, elle commence à représenter les personnalités les plus en vue de l'époque en utilisant la technique du pastel, dans laquelle elle excelle en Europe. Grâce aux nuances délicates et aux marques de couleurs pures que cette technique permet, les mécènes trouvent dans ses œuvres à la fois une extrême délicatesse dans le velouté des carnations et la précision réaliste des détails. Ce succès, combiné à sa connaissance des langues, lui ouvre les portes de nombreuses cours d'Europe, où elle accroît sa renommée en peignant des miniatures et des portraits pour les familles royales et la noblesse de cour. Elle meurt à Venise à l'âge de 80 ans, le 15 avril 1757, après une décennie douloureuse due à la cécité. Ses élèves ont suivi sa formation : Marianna Carlevarijs, Felicita Sartori, Angioletta Sartori et Gian Antonio Lazzari. Rosalba Carriera (Venise 1675 - 1757) école de Fille lisant Pastel sur papier 61 x 50 cm

Estim. 5 000 - 7 000 EUR

mer. 15 mai

Pierre Adolphe Hall - Portrait d'une jeune femme avec des roses épinglées Gouache sur ivoire. Portrait en buste légèrement tourné vers la droite, avec un ruban bleu dans les boucles et un fichu ourlé de bleu. 7,0 x 6,4 cm. Cadre capsule rond en argent avec profils cordés. Pierre Adolphe Hall, attribué, Paris, années 1770 / 1780. Le Suédois Pierre Adolphe Hall (1739 - 1793) a d'abord étudié la médecine et les sciences naturelles à la faculté de l'université d'Uppsala, où travaillait également Carl Linnaeus. Ce n'est qu'après s'être installé à Paris qu'il a commencé à travailler comme miniaturiste. En 1769, il fut élu à l'Académie royale de peinture et de sculpture et reçut des commandes de la maison royale française. La présente miniature d'une jeune femme témoigne de manière exemplaire de son talent par la finesse des détails, des hachures et des rehauts de blanc avec lesquels il anime le sujet. Expertise L'autorisation de commercialisation de l'ivoire est disponible (DE-S-0494-23). Provenance Collection Leo R. Schidlof, déc. Christie's Genève le 18 mai 1994, lot 420. Collection privée rhénane. Expositions "Chefs-d'œuvre de la peinture européenne en miniature de 1750 à 1850", Albertina/Vienne, mars 1965, n° 187. Littérature Sur l'artiste, voir Schidlof, The Miniature in Europe in the 16th, 17th, 18th and 19th centuries, Graz 1964, Vol. I, p. 326 et suivantes. Cet objet a été fabriqué à l'aide de matériaux pour lesquels un permis CITES est requis en cas d'exportation vers des pays hors de l'UE. Nous attirons votre attention sur le fait qu'une autorisation n'est généralement pas accordée.

Estim. 1 500 - 2 000 EUR
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